该片制作费2000多万元，外景在马来西亚拍摄，从公布的预告片看来，无论是打戏还是特效场面，效果都不比如今的日本特摄片差，片中扮演女英雄的向俞星、陈怡凡和范薇都是95后，但她们谈起打戏、在烈日下穿着厚重盔甲曝晒等拍摄过程时，都表示虽然辛苦，但还是很享受拍戏，她们笑说：每次拍戏结束要脱战衣都脱不下来，因为汗水浸湿的战衣实在太黏，后来我们都自备爽身粉了。
经典好看的科幻战争电影，总共耗资近百亿，不看血亏，你看过几部？
《明日边缘》
《明日边缘》是道格·里曼执导的科幻动作电影，由汤姆·克鲁斯、艾米莉·布朗特、比尔·帕克斯顿、布莱丹·格里森、诺亚·泰勒、奇克·盖瑞、德拉古米尔·米希克等主演。
该片以神秘外星生物袭击地球为背景，少校比尔·凯奇首次出战就“折戟沙场”惨烈牺牲，但他却由于某种不明原因重获新生，在一次一次的生死循环中，比尔越来越明了制敌方法，最终走向胜利。
关于真实世界是否真实这个问题，其实这是权限的问题，如果你学过操作系统概论就能很容易地理解黑客帝国所要阐述的世界，不过在驯影君看来，真实世界(就是机器和锡安那个世界)也是虚拟的，既然是虚拟的，那就绝对运行在一个系统里吧，第三集中尼奥也具有了超能力这就足够说明了。
在一个系统里，如果你得到的权限越大，你的操作范围也就越大，换到黑客帝国里就是权限越大力量越强，而且权限有时候并不是递等相关的，是错综复杂的，每种操作系统都有权限这个概念的。
《前哨基地》俄罗斯制片，2019年上映，外星人星球资源枯竭，选中地球作为殖民星球，还控制人类自相残杀，这时突然出现一个外星人想帮助人类阻止同伴接管地球。
不是陨石撞击地球，也不是恐怖分子的全球威胁，更不是发生核子战争，人类熟悉的世界一夕之间面目全非，没有人知道是什么原因导致全球电力系统故障，消灭所有生命，唯独一个位于东欧的小区域幸存下来，仍保有正常的电力运作。面对毁天灭地的灾难，这个人类最后的希望堡垒必须全力反击，阻止这场灭绝浩劫……
《洛杉矶之战》《洛杉矶之战》是一部2011由乔纳森·理贝斯曼执导的动作科幻电影，艾伦·艾克哈特、米歇尔·罗德里格兹和布丽姬·穆娜等联袂出演。
电影讲述了一个海军陆战排在洛杉矶街头与外星入侵者进行巷战的故事。对方是强大的外星军团，这些诞生自海洋的异形生物企图铲除人类，接管地球的水资源。洛杉矶将是人类的最后一道防线，”面对外星异形突袭侵略，海军陆战队突围反击挽救人类。
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《光影之战》
导演: 陈钺晖
编剧: 张晓丹
主演: 向俞星、陈怡凡、范薇、连诗雅、陈泽耀、李根
类型: 科幻、奇幻
制片国家/地区: 中国大陆
语言: 汉语普通话
上映日期: 2017-10-04(中国大陆)、2018-06-01(中国大陆重映)
片长: 96分钟
又名: Dragon Blade、Ghost Well
邪恶博士启动了时空传送门使全球各地纷纷出现时空异动，人类严阵以待，随时准备对抗外星怪兽的入侵。处于马来西亚吉隆坡的X-Force分基地通讯系统受到神秘的破坏者入侵，白璐被指派到吉隆坡执行侦查任务，其中存放在马来西亚基地、能打开时空传送门的天空之钥被盗，与此同时白璐却突然失联，被怀疑盗窃天空之钥，遭到全球通缉；洪欢和黄莉心急如焚，在未经组织允许的情况下贸然行动，没料到掀起了轩然大波。身处异乡的洪欢和黄莉既要应付组织穷追不舍的围捕，还要想办法找到白璐的下落，三位女孩该如何面对隐藏黑暗中的邪恶力量？天空之钥落于何人手中？猎兽少女能否再次拯救世界？
电影中光影的理解
关灯拆电影 懂电影的看这几个镜头就高潮了
一冰
Filming is the art of lights and shadows.
电影是光和影的艺术
今天就来了解一下“光”的孪生兄弟
“影”
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剪影 突出与省略的平衡点
剪影是电影中最为常见的光影处理手段之一，它能够有效地省去人物外形特征，把观众的注意力转移到更重要的地方。
比如在一些动作片中主角以剪影的方式进行打斗，一方面能够突出肢体动作，另一方面也丰富了武打场面的多样性，是动作片导演喜闻乐见的一种表现手法。
《007：大破天幕杀机》中这场高楼打斗戏最为人津津乐道，
不仅动作戏连贯好看，背景幕墙上的水母图案更是提升了这场打戏的艺术性，
刚硬与柔和在同一画面里体现，美轮美奂。
也就是说，光和影能够把画面切分成两个层次，在同一个平面中同时并置两种对立元素，以此表达影片的某种复杂性。
譬如《搏击俱乐部》的结尾，前景是杰克牵着马拉的手的静态剪影，后景我们看到摩天大楼轰然倒下，既暴力又具美感。
在这个画面中前景象征联合，后景代表拆分，正合了《搏击俱乐部》解构与重构的两重性。
有的时候处于高亮部分的背景又可以作气氛烘托的作用，譬如《爱乐之城》中恋人在星空下起舞，《ET外星人》里小男孩载着ET从夜空中骑行而过……
背景都为剪影中的人物关系铺上了一层浪漫、奇幻的氛围。
而影片中最常出现这种表现手法的时刻多处于日出或日落阶段，
在电影学中这一时段也被称为魔幻时段，英文叫Golden Hour。
顾名思义，因为太阳光线角度接近地平线而呈低色温，整个画面被橙红色的光映照得暖烘烘的，特别适合导演在前景中表现人物的内心戏。
像《阳光灿烂的日子》里就有马小军俯瞰米兰和刘忆苦交好，心里特别不是滋味。
还有一些情况下剪影并不需要背景的辅助，导演之所以使用剪影，是为了隐藏更多细节，刻意制造神秘感。
比如希区柯克那部经典的《惊魂记》，大师德莱叶的《吸血鬼》都有这类运用。
这种手法常见于恐怖类型片当中，阴影几乎就成为了魔鬼、凶手等等邪恶的势力的代名词。
阴影 开篇人物的重点侧写
用阴影来介绍人物也是不少导演喜欢用的方式。
比如被库布里克称为是“本世纪不可能被搬上银幕”的神片《香水》，导演汤姆·提克威开篇就把男主角放置在一片阴影当中，只露出他那个神奇的鼻子。
相当聪明地利用阴影简化甚至省略了不必要的视觉元素，着重突出想要观众看到的东西，只凭一个镜头立即明晰了这是一部关于气味的电影。
《色·戒》走的又是另一种套路，李安要介绍特务头子易先生出场，人物够神秘，从事的职业也是见不得光的活计，所以安排他走了好长一段黑暗的甬道，一直到观众耐不住性子了才给你们瞧一眼他到底是何许人也。
这么做更是突出了易先生那双鹰一样的眼睛，显出此人的凶狠与神秘。
《007：大破天幕杀机》的开篇也是同一个世界同一种套路。
詹姆斯·邦德从后景软焦当中以剪影的形式走来，到了近处才被一束光线照亮他的面部，同样是突出了眼睛，但这一次导演想表达的更是人物的机敏与警觉。
再来看《教父》开篇，当年科波拉的设计可是把派拉蒙吓个够呛，第一个镜头居然没有对准主角，而是对准了一个不怎么重要的小人物。
镜头缓缓拉开，在软焦的阴影区域才显出老教父舒展又具有威严的背影，这一效果可比直接正面拍摄老教父来得高级得多。
看到这里，想必你也已经发现，凡是通过阴影出场的人物都具备同一个特征，那就是神秘。
尤其是那些超自然生物最适合以影子的形式登场，比如《花木兰》里的木须龙，《美女与野兽》里的野兽，《幻想曲2000》里的拖把小精灵……
它们的初次亮相都是以阴影的形式和观众见面，也可以算作是迪士尼的某种经典套路吧！
变化 一代教父的逐步升级
说到阴影运用的第一人，好莱坞可有一位“阴影王子”，
他就是著名摄影师戈登·威利斯。
如果没有他在《教父》系列中的经典奉献，恐怕今天的电影人在阴影这个学问上还玩不出这么多花样。
此话怎讲？
拿主角麦克来打个比方，在《教父》第一部的初始阶段麦克刚从军队服役回来，从未涉足过老爸经营的黑帮事业，此时的他面部大部分都在高亮区域，没有阴影。
但是随着与家族事业关系越来越密切，麦克脸上的阴影面积也随之越来越大。
虽然《教父》系列一反我们通常认为的黑帮冷酷形象，但是戈登·威利斯依然把黑帮定义为法外之徒，因此人物越是与黑帮关系紧密，在影片中呈现的面部阴影面积就越大。
当麦克成功执行任务杀死了对立家族的老大，这也意味着他彻底承担起了科里昂家族的使命，此刻阴影占据了他面部的四分之三，也是开篇以来他参与家族事业最深入的一次。
然而戈登·威利斯高妙的地方还在于他给每个主要人物设计的面部阴影都各不相同。
比如马龙·白兰度饰演的老教父每每登场都使用顶光照明。
这种照明法会在西方人特有的高眉骨下方留下一大片浓重的阴影，使人无法看清他的眼神，从而产生一种深不可测的感觉。
即便是在室外的大太阳底下，老教父的面孔依旧被包裹在阴影之下。
另一个比较有特色的阴影角色是老教父的义子汤姆·黑根。
他常常以半张脸笼罩在阴影下，半张脸清晰可见的形象示人，
这种表现方法具有三层含义。
一是黑根负责打理科里昂家族对公的事业，半明半暗代表他黑白通吃的两重性。
二是黑根是老教父一手抚养长大的义子，他在科里昂家族中既是自己人又是外人，半明半暗代表着他尴尬的处境。
三是黑根对失去老教父庇护后的科里昂家族产生了信心上的动摇，半明半暗代表他摇摆不定的衷心，可以说是非常巧妙了。
再有一个特例，就是老教父的大儿子桑尼，他本是教父宝座的第一顺位继承人，却因为太过火爆的脾气而间接被敌人设计暗杀。
为这个人物造影时，戈登·威利斯考虑到他直接的性格而特意没有在他的脸上堆积任何阴影。
全场桑尼都是以面部高亮的形象示人，这也侧面提醒了观众桑尼绝对不是教父之位的最终接班人。
阴影，究竟是五十度灰，还是五十度黑，没想到竟然还有这么多的讲究。
在戈登·威利斯开疆辟土般对阴影的研究和尝试之下，终于“黑色电影”不再只停留于黑色的题材，而是更进一步地在光影艺术层面也达成了黑色的统一。
电影是一座光和影的神殿，
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在往期内容中继续收看“光”在电影中的巧妙运用。
我们，只读经典。
你对这部电影的评价如何？
从开幕洞老仙的《明天更漫长》开始，我就知道这部电影不太糟。
大鹏真的进步了。 在华语电影倒退的现在，他认真地进步了一次。 从《缝纫机乐队》开始，他真的改变了我。 大鹏，还是有追求的。 他的教练功勋确实在提高，镜头语言更加丰富，镜头水平更加多样，构图更加深入，节奏更加成熟。 但最重要的是剧本的完整性非常高，该有的伏笔，该有的戏码冲突都齐了，人物关系也安排得合理。 忧郁的背景音乐非常适合一部喜剧，它省去了国产喜剧的大部分油腻和做作，笑声不再是重点，只是剧情的配合，节奏感和平衡感都达到了及格线以上。 当然，这部电影并不是没有缺点。 其中的一些转移和冲突还很夸张生硬，但放在情况下恐怕也可以说……。
然后是那个角色的塑造。 大鹏的演技虽然不能说是第一段，但胜过真实和洒脱。 他扮演魏平安，但实际上也是自己。 稍微夸张的形式也没有违和感，衬托人物很明显。 他非常有力地表现了中年男人的执念和波澜万丈的样子。 特别是和电影里的女儿在一起的戏，中年男人笨拙自大的样子让人看不下去。
中途他踩路时响的《世界第一等》真的感觉到了。 当然不是因为下面喜欢优步和刘德华，这音乐真的很合魏平安的气质。 这一生靠起搏，看起来起伏、落魄，实际上很充实。 那一刻，我甚至忘记了这是拍摄《屌丝男士》和《煎饼侠》的大鹏。 在变幻的光影下，沧桑的真脸真有味道。
为什么我们最近的很多电影只觉得尴尬呢？ 创作者离生活太远了，因为他们没有挺身而出，而是在资本的麻痹下幻想、捏造自己的“生活”。 而大鹏的可贵之处在于，他能尽可能回到小人物的生活中，表达我们普通人的想法和感受。 电影的情节其实并不复杂，叙事线也很少，辟谣的各个环节相对独立。 每个环节都有足以捧腹的好处，但坏处是连接性不强，有割裂感，看了之后记不住多少故事。 虽然有问题，但是如果他的剧本好的话就太好了。 然后，首尾一贯地把想说的话说清楚了。 这一点应该是电影最基本的要求，但在今天的华语电影中很少见。 大鹏这次真的认真地说了话。 他生硬地戏弄了你，没有用冷笑话和下流的段子，而是用剧本和细节逗你笑。
其最核心的只是一个话题。 谣言从哪里来？ 谣言是谁的错？ 谣言什么时候送到？ “虽然有千万人在走向我！ ”这是魏平安的态度，正如他自己说的，这样做对他没有任何好处，他只是觉得不多做就太差劲了。 这个回答很棒。 我们往往觉得有些事情不对劲。 正是这种朴素的思想维护着正义，这种“力量”引起了社会的邪气。 “多为正义的屠狗一代”可以是一文不名，也可以是暴躁下流，但绝不要对不公平的事掉以轻心。 因为这是社会最后的良心。 对于吃力的事情，人们经常会问：“为什么？ 然后堂堂正正地下降。 但是，这种萎缩成了邪恶的滥觞。 即使她死了，“杀”人也很容易。 特别是在网络无序、网络无限广阔的环境下，人们的某些行为观、一些附和、一些扭曲的想法堆积如山，可以摧毁人的一生。 “是，不，不是”，道理就是这么简单。 但是，据我所知，真相是没有价值的。 人们躲在网络里，用语言随意地“设计”着别人的故事。 这个愚者的狂欢是文明社会最野蛮的事情。 就像《让子弹飞》里看六子的人一样，他们不在乎他吃了多少粉。 他们只是想看六子剖腹。 这样看来，鲁迅先生似乎预言阿q的后人至今络绎不绝，他笔下的观众们似乎也是如此。
造谣生事，一开口，造谣生事真的不是断腿也办不到的。 魏平安逆行，一个个无关的人成了谣言的帮凶和传播，它像瘟疫一样无声无息，传播却很快，其第一个理由真是哭笑不得，令人哀叹。 对谣言传播的坚决否认，对媒体和流量传播的嘲讽，构成了大鹏对这个野蛮网络时代的最高讽刺。 这需要勇气。 要知道，大鹏自己在初期也因与低俗卖家获取流量而走红。 魏平安绝对称不上英雄，也不是勇者，只是个有良心的普通人。 他有一种思考的态度，他告诉我，不想就这样融化在人群里，又大又不合身的裤子增加了卓别林的滑稽和执着。 为真相而奋斗，为他人而努力，这样的人我怎么能不敬？
除了辟谣的主线外，大鹏明显关注了其他东西。 他有父女之爱，而女儿魏战胜自己成长的铺垫很少，但弧是自然的，变化并不离奇，也是成功的写照。 另外，富裕阶层的财富压迫权力、社会环境压迫人、校园暴力欺凌等，让人心动的地方也随处可见。
但最让我吃惊的是，在这部电影里，大鹏竟然漠然地探讨着生死相关的话题。 这当然有可能是我想看电影。 庄子云：“死生也大，但不能变。 就算天地陷落，也不留它； 审无伪与物不迁，命物保宗。 ”面对生死，人们往往极度恐惧禁忌，这来自于自己对生命的占有欲。 但是，有人超越了生死，说：“死该怎么办，委身与山为伍吗？” 如果你能不怕生死，你就真的有自己的生命了。 虽然电影里的韩露长得很可怜，也很悲惨，但她选择了平静地死去。 大鹏在这里的处理非常出色。 他省去了过程，只说明了结果，后来让人物指出原因，省去了死亡的悲怆，但真正懂得了死亡的意义。
人死后，一生是求名还是求利，已经不重要了，只要能平静地迎来终点，那就不是死亡，而是回归。 我想起了我最喜欢的音乐家——潇潇的哥哥赵英俊。 世事无常，命运带走了这个多余洒脱的灵魂，却带不走他存在的痕迹。 我喜欢他《都选C》的帅气，喜欢他《大王叫我来巡山》的快乐，也喜欢他《送你一朵小红花》的温暖与恬静。 对于死了，潇潇的哥哥很宽容，释然了。 他的故事已经留在人们心中，所以这条路很有价值。
我忘不了他在《缝纫机乐队》的绝顶才能。 大鹏也忘不了自己的好兄弟。 这部电影当然也是献给他的。 最后的无声字幕只是数字，一切都在无言中，该说的都说了。 总之，我很久没在电影院看这样的电影了。 另外，我没有在新电影中看到这样的感动。 上次看电影后马上洒落上千字写的是《满江红》之后，请不要误会。 那不是领悟而是愤怒。
这部电影绝对可以算作我今年看过的十大电影之一。 和悲剧不同，喜剧一定很难控制。 不注意到就会流于低俗，稍微有深度会让人不舒服。 这正是周星驰努力的地方，也是卓别林被誉为大师的原因。 他们有温度，有共鸣，有正义感，给人带来笑声，把悲伤留给自己。 也许那才是真正的喜剧。 乐而不淫，哀而不伤。
这部《保你平安》当然不是一部好电影，但问题也不少。 已经被指出如上。 此外，开玩笑谈论严肃的议题，不仅流于轻浮，实际上更多的是感情使然，看了能让人沉浸其中，但看了容易淡忘。 但它有态度，它胜过非常多的狗窝，金钱至上的咸菜。 我们看的只是一部喜剧电影，所以只要能让人笑着想一点，就足够了。
摄影师必看的十部电影
欣赏并观摩电影，并不仅仅是摄像师的专利，拍摄静态照片的摄影家们，同样可以从中获得许多教益。从摄影家的角度欣赏电影，注重的并不是演员的投入表演，也不是惊心动魄的视觉效果。那么，摄影师选择电影的基本条件和原因究竟是什么呢？首先，最重要的是用光的角度和环境。其次是场景的选择。为此，我们选择了以下的十部电影，它们的场景令人过目难忘，恨不得身临其境。
这些电影大多可以买到正版的DVD，但也有些有些极其罕见，这也显示出它们的珍贵。
1. Baraka（天地玄黄）
像师的专利，拍摄静态照片的摄影家们，同样
Baraka是一个古代伊斯兰苏非派单词，含义是“祝福”。
这部影片在刚推出时评价极高，被一些疯狂的影评家称为“二十世纪最伟大的纪录片”。几年前甚至有人声称如果被流放到荒岛上，唯一愿意携带的电影就是它。这部电影以地球与人类的进化，及人类与环境的关系为题材，自始至终没有一句对白。面前的景色究竟来自何方，完全靠观众自己揣摩。
据称，导演Ron Fricke为了拍摄这部电影，带着三人拍摄小组，花费14个月，走遍了六大洲的24个国家。共耗费四百万美元。对于这部无需支付演员的高额出场费的电影来说，投资是相当可观的。如此高投入的另一个原因是拍摄器材：它使用昂贵的TODD-AQ 70毫米格式。同时，本片的音乐效果极为优秀，为你带来不可多得的视觉和听觉双重震撼。
欣赏并观摩电影，并不仅仅是摄
Baraka中的场景，是任何一个摄影师都梦寐以求的。前一分钟你还在为短尾猿那极似人类的脸而浮想联翩，后一分钟就来到了日本积雪的富士山；来不及细味印度恒河边的火葬仪式，又在叙利亚寺庙前徘徊驻足。这是一部值得一看再看的电影，因为其中的内容如此丰富，浮光掠影的浏览根本无法完全吸收。
除了风景之外，导演还利用电脑程控技术，拍摄了大量延时镜头，以反映曼哈顿和东京街头的繁忙场景。这固然是动态影片的特点，但是静态照片摄影师能不能考虑使用延时曝光效果来表达一些忙碌的景象呢？
随这部电影上市的还有一本精美的画册，详细的记录了电影拍摄的种种有趣的经历。同时附有大量的彩色和黑白照片。
电影，注重的并不是演员的投入表演，也不是
如果非要说这部电影有什么不足的话，它的创意和拍摄手法似乎和1983年的一部名为《Koyaanisqatsi》的电影颇为雷同。有意思的是，《Koyaanisqatsi》的导演和摄像也是这位Ron Fricke。
正如这部电影颇为怪诞的片名一样，这是一部献给所有懂得，并愿意欣赏视觉艺术的人士的杰作。
2. Barry Lyndon（乱世儿女）
电影，注重的并不是演员的投入表演，也不是
在看这部电影之前，先请教各位一个问题：那就是：谁有f0.7的镜头？即使是在工业发达的21世纪，这样的东西恐怕也无处寻觅吧。或许，全世界只有一块f0.7镜头——就是导演库布里克拍摄这部《乱世儿女》所用的那一块。
这块珍贵的镜头，据说是蔡司为美国航空航天局定制的产品，不知为什么流落到了库布里克手中。他将这块镜头稍加改装后，安装到了摄象机上。f0.7的巨大透光量，使得他在拍摄室内景物时可以完全使用烛光照明，而没有任何其它的人造光源。
有了这样的拍摄利器，这部电影无论是野外风景还是室内空间，构图用光都极其用心，就像是一幅幅流动的精美油画，随便拉出一幅，都能挂到墙上。但是值得注意的是，影片有意识的采用大量的“中心构图”，尤其在室内场景中，总是用柱子、门窗、桌椅等物品标明画面的中心点，而那里也正是即将展开的场景的中心，是摄影机想要引导观众关注的中心。从视觉心理上来说，只有在对称发生偏转或变动时，才会有活跃动态的感觉，这种静止镜头中的标准对称，只能产生沉闷的心理的感受。而这也正是库布里克想要传达的：一个死气沉沉的社会，等级森严，无所事事。
可以从中获得许多教益。从摄影家的角度欣赏
这部电影讲述的是18世纪的欧洲，当时英普同盟和法奥俄同盟正打得不可开交。一文不名的爱尔兰无赖、穷小子Barry，由于机缘巧合，结识了一个富有的寡妇，并藉此挤入了上流社会。但他为了追求贵族爵位而和勋爵决斗，最后被驱逐出英国。或许这部电影该译作《欧洲版鹿鼎记》更合适。
在这部电影中，主角Barry Lyndon的扮演者Ryan O'Neal很好的把握了小无赖自由自在，毫无道德压力的心情。他本人和这部电影也获得了最佳电影艺术学员奖，最佳艺术导演奖，不列颠最佳电影奖等一系列奖项。在这部超过3个小时的电影中，至少有二三十处值得记录为静态画面的场景。当然，如果你没有以上所说的f0.7镜头，还是试着打几快反光板吧。毕竟，f0.7听上去比神话还遥远。
3. The Conformist（顺从者）
可以从中获得许多教益。从摄影家的角度欣赏
这部电影可说是大导演Bernardo Bertolucci的扬名立万之作。虽然情节编排没有选用传统的“开始——经过——结尾”模式，但是，摄影师Vittorio Storaro充满灵性的拍摄，使得这部片子成为电影史上的经典。极为讲究的用光，罕见的拍摄角度，以及各种色彩滤镜的使用，都使这部电影增色不少。虽然拍摄于35年以前，但是，今天的摄影师们仍旧可以从中学到许多，那就是：跳出陈旧的框框，创造自己的风格。
这位来自帕尔马的Bertolucci导演，后来拍摄了家喻户晓的《末代皇帝》，自己也拿到了当年的奥斯卡最佳导演奖。他的其他作品还有《遮蔽天空》，《巴黎的最后探戈》等等。
4. Day of Heaven（梦断情天）
欣赏并观摩电影，并不仅仅是摄
静态摄影家经常会谈到所谓的“魔幻时刻”，也就是每天的黎明和黄昏。在这些时间，微弱，温暖的日光使物体显得分外美丽。但是对于电影摄像师来说，常常由于剧情和资金预算的限制，而无法选择“魔幻时刻”。很显然，没有任何一个剧组愿意花大钱请演员和工作人员呆坐一天，就为了黄昏那片刻时分的拍摄。
唯一的特例是这部拍摄于1978年的《梦断情天》。这部电影讲述的是二十世纪初的一段三角爱情故事。导演马利克难得的聘请到了当时的两大著名摄像师：Nestor Almendros和Haskell Wexler。它的绝大多数镜头都是在黄昏拍摄的，并因此获得了1978年的最佳摄影金像奖。
总之，这部电影的情节甚为离奇，也多少经不起推敲。但是，无法掩饰的是它杰出的视觉效果。以下是Nestor Almendros在电影杀青后的感想：
像师的专利，拍摄静态照片的摄影家们，同样
“马利克告诉我，他要拍摄一部注重视觉效果的电影，通过视觉效果讲述故事。很多人并没有意识到视觉效果的重要性，许多导演也把更多的精力放在演员上。但是，这是一部用视觉效果说话的电影。这部电影讲述的是电发明之前的事，没有电灯，因此光线常常很弱，完全依赖由窗外透进来的光线，这就是当时人们的生存状态。”
“所谓的魔幻时刻，其实是一种委婉的说法，每天最多不过25分钟。在这段时刻里，太阳刚刚落山，天空还没有黑下来，却已看不到太阳了。这段时间的光线最为柔和，常常有一种魔幻的效果。有时，我们每天只能拍摄20分钟。但是这确实物有所值，影片效果非常美丽，浪漫。”
5. Dreams（梦）
可以从中获得许多教益。从摄影家的角度欣赏
这是日本电影天皇黑泽明对梦的勾画。全剧由八个梦组成，分别是太阳雨、桃园、风雪、隧道、乌鸦、红色富士山、垂泪的魔鬼和水车之村。这八个梦几乎贯穿了人类生活的所有主题，战争与和平、社会与人生。在不同的梦境里有着不同的场景，配合不同的色彩，把人类所面对的所有主题一一呈现。超现实的视觉效果在当年颇为引人注目。
抛开小日本的民族性不谈，这部电影给静态摄影家们的最大启示就是：要尽最大可能挖掘内心深处的想象力。很多摄影家受困于应接不暇的商业工作或“上层意见”，而无法充分发挥自己的灵感。但是我认为，作为艺术工作者，摄影家总要尽可能的追逐自己的灵感吧。从摄影家的相机中出来的，不应仅是现实的反映，还应该努力反映心中的构思。本片中，黑泽明大胆的使用了极为鲜艳的色彩范围，从明媚的春光，到阴冷的隧道，或许每个人，都有个彩色的梦吧。
总之，《梦》已经不仅仅是黑泽明个人的一种感情宣泄，在我们的感觉和感情被烂片弄得越来越迟钝和粗糙的今天，我们其实需要的是这样一种真实的童话，而不是那些让人越看越蠢的傻瓜教科书。
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6. 末代皇帝（The Last Emperor）
这又是一部贝特鲁齐的电影。对于全世界任何一个导演来说，拍摄末代帝王溥仪的故事，都是巨大的挑战。贝特鲁齐成功的完成了这部跨度长达59年（从1908年到1967年）的电影，并使其成为电影史上的经典。故事的气势宏大，色彩浓郁，场面壮观。
故事从1950年冬天开始讲述起：清王朝废帝溥仪，作为战犯从苏联被押回中国。火车抵达中苏边境的满洲里火车站后，溥仪认为此去性命难保，便溜进卫生间企图割腕自杀。中国战犯管理所所长发现情况有异，急敲卫生间的门。敲门声使溥仪陷入了回忆……
色彩的运用绝对是这部史诗的亮点。贝特鲁奇和摄影师Vittorio Storaro使用了相当罕见的色调渲染气氛。有人说，这部电影的真正主角不是尊龙，而是摄影师Storaro。例如，在溥仪的童年时代中，他的生活还算丰富多彩，这时的色调以桔红色和明黄色为主。（溥仪在回忆录中也说过，小时候，由于他身边的绝大多数物品都是代表帝王的黄色，因此他认为所有东西本来都是黄色的。）而在“伪满洲国”时期，电影的色调变为压抑的靛青色。而当他受到毛主席的关怀，接受再教育的时候，色彩变为朴素的灰色。在溥仪生命的最后阶段，颜色慢慢趋向柔和，暗示着这个历经大起大落的人最后的觉悟……
1998年，贝特鲁奇出版了一本书，《The Last Emperor: Multiple Takes》。在这本书中，他详细的阐述了在《末代皇帝》中的色彩运用心得。作为一个静态摄影师，应该知道：照片的色调至关重要，它极微妙又难以把握，甚至能在不经意间引导观看者的心情。
另外值得一提的是，虽然在故宫取景的电影和电视剧有很多，但是能真正拍摄出故宫的宏伟庄严的却没几个。虽然是意大利导演的作品，但是，《末代皇帝》足以给我国的众多“清宫戏”做典范。
可以从中获得许多教益。从摄影家的角度欣赏
该片在西方上映后。立即掀起了“中国热”。1988年，第60届奥斯卡奖颁奖揭晓，《末代皇帝》一举夺得最佳影片。最佳导演、最佳改编剧本、最佳服装、最佳作曲、最佳剪辑、最佳音响效果、最佳摄影和最佳美工9项奖。
7. 大红灯笼高高挂（Raise the Red Lantern）
作为一部心理片，《大红灯笼高高挂》对色彩的运用极为讲究。张艺谋不愧是摄影师出身，不同色彩基调的反复出现，使观众的情绪也随着剧情忽高忽低。乔老爷想在哪位太太的房中过夜，那位太太的门前就挂起大红的灯笼。经典三原色冲印法的使用，使这部电影的红色和黄色十分鲜艳，而这在西方国家的电影中是不多见的。同时，各式各样色彩鲜艳的服装，也使这部电影显得更为精致。
欣赏并观摩电影，并不仅仅是摄
这部电影获得了数不清的荣誉：十届香港电影"金像奖"十大华语片之一；意大利第四十四届威尼斯国际电影节"银狮奖"、国际影评人学会大奖、天主教影评人协会大奖、金格利造型特别奖、艾维拉诺塔特别奖；获美国第六十四届奥斯卡"金像奖"最佳外语片提名；意大利全国奥斯卡"大卫奖"最佳外语片大奖、最佳外语片女主角提名（巩俐）；意大利米兰电影协会颁发观众评议本年度最佳外语电影第一名大奖。
8. The Third Man（第三个人）
感谢数码技术的应用，使这部电影有机会制作成DVD，成为黑白年代不朽的回忆。
可以从中获得许多教益。从摄影家的角度欣赏
在拍摄手法上，这恐怕是电影史上第一次将摄像机安在角落拍摄，以表达不安和焦虑的心情。同时，有意识的广角畸变和浅景深镜头，也加重了影片冷酷的基调。大量光影的使用，有效地调动了观众的注意力。整个影片像梦魇一样震撼，且过目难忘。
与前几部彩色电影相比，这部黑白电影是不是显得有些过时？但是如果你仔细看完这部影片的话，你会重新体会到黑白光影的魅力——单色的魔术。这部电影曾荣获嘎纳电影节金棕榈奖，第23届奥斯卡最佳摄影金像奖，英国电影学院最佳影片金奖，并被评选为英国电影史上最佳影片第一名。
9. Visions of Light（光的影像）
像师的专利，拍摄静态照片的摄影家们，同样
严格来说，这并不是一部电影，应该说是“关于电影的纪录片”更合适。在这部电影中，我们也能发现以上介绍过的多部影片。例如《梦断情天》的摄影师Nestor Almendros，他在临死之前接受了这部电影的短暂采访。还有《末代皇帝》的摄影师Storaro等人。
从某种意义上说，是导演控制摄影师的拍摄手法。例如，《Rosemary's Baby》的导演Roman Polanski，在接受采访时多次提到，有时仅仅需要将摄像机多移动几个厘米，就能使影片的效果得到巨大提升。《In Cold Blood》的导演Conrad Hall，在1967年接受采访时，提到当年是如何选择并搭建了一个牢房，里面囚禁的是Robert Blake扮演的杀人犯，他即将走上绞刑架。雨水不停地打在铁窗上。Hall发现，如果摄像机放在某个特定的角度，雨滴的阴影看上去像Blake脸上的泪水。这个镜头后来成了影院中的催泪弹。
这部电影由数百个电影片段组成。影片结束后，你一定会深深地被摄像机背后的灵感和魔法打动。而静态摄影师也将从中获益匪浅。这是一部摄影科教片，数百个片段将指导你如何用光，如何选择合适的色调，如何使你的片子成为经典。
可以从中获得许多教益。从摄影家的角度欣赏
这部电影按年代划分为三个部分，第一部分是无声电影年代。第二部分是带旁白的黑白电影时期。第三部分是彩色电影时期。影片最后讨论了如何利用不同的色彩调动观众的情绪。
10. Winged Migration（鸟与梦飞翔）
这是一部关于野生动物的纪录片。相信很多摄影家都有过拍摄飞鸟的经历吧。长焦加连拍？那只是小儿科。让你看看这个疯狂的法国导演是如何拍摄飞鸟的。
凭借上百万美元的经济支持，导演Cluzaud雇用了四百五十人的拍摄队伍。拍摄工具包括热气球，小型滑翔机，甚至伪装成飞鸟形状，内藏摄像机的小型飞机。在第一年内，他们基本不拍摄，只是跟着鸟到处迁徙，和这些鸟混得很熟，使得这些鸟对他们不再警觉。之后的两年，他们的拍摄团队（其中包括五十人的鸟类专家）跟踪这群飞鸟，穿越四十个国家，并将所有结果浓缩在98分钟的电影中，平均每225分钟素材只取一分钟。效果自然极为真实感人。
DVD版本附送50分钟的幕后花絮。从中看到，摄制组不惜时间，驯化了一批小鸟，使它们习惯飞机的轰鸣声，用于拍摄在航空母舰和工厂那几场戏。摄影师需要和初生的小雁培养感觉，模仿它们的鸣叫，跟它们一起游泳，让它们认为摄影师它们的一员。正是这种不可思议的耐心的感情培养，才有了那些如此近距离而又真实的镜头展现给我们。作为一部纪录片，《鸟与梦飞行》在法国能达到250万人次的票房，并不是偶然的。绝美的画面，得体的配乐。震撼人心的镜头，就是一部完整又完美的交响乐。
